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Vinyl - Ray Brown

8. 絕佳的耳朵和即興樂句

我曾經聽一個很好的樂手跟我說,如果樂手的人生是一場球賽的話,你有好耳朵的話,就已經打贏一半了(另外一半應該是好的節奏感),我覺得這是真的。簡單的說,那些即興演奏都不是背出來的,基本上是你耳朵真的聽到了那個和聲,而在當下選擇的回應。所以,每次彈一樣的歌,你的回應(即興演奏樂句)都會有所不同,因為那些句子不是死背的,是真的耳朵裡面「有聽到了」,而Ray Brown就是一個耳朵絕佳的樂手。(當然,基本上你也可以說,所以好的樂手都一定有會有好耳朵。)

如果你有好的耳朵,那麼在伴奏時無論是最常見的walking bass或是其他的風格,都可以在簡單的幾個音裡面,彈出和聲上面「對」的音,能夠用簡單的幾個音把和聲交待的非常清楚。爵士樂的bass彈出來的音,相對於其他樂器並不多,所以你必須在簡單幾個音裡面,把和聲給交代清楚,要不然你彈錯音將很容易被發現,這點跟長號的solo很像。所以好的bass在音的選擇上面永遠有畫龍點睛的效果,意思就是,雖然是簡簡單單幾個音,但是拳拳到位,沒有一個不好的音,每個音都會放在該放的位置上面。

一般來說,歷史上不是每一個好的bass都是好的solo player,然而Ray Brown可以說是全方位的bass手,他擁有非常好的solo,漂亮的樂句,充滿了黑人草根味的藍調音符,幾乎沒有一個廢音或是不好的音,在爵士bass的世界,跟他的solo一樣等級的樂手可以說非常少。

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4. 音準 (good intonation)

音準在bass的世界裡是很重要的,因為我們擔任低音的角色,而且你大部份都會彈到和弦的根音(root),如果你bass彈不準,那不管鋼琴或是管樂solo再怎麼好,聽起來都會不對勁。因為你一旦音不準,整個和聲的結構就被破壞掉了。

然而,在低音的世界,要瞬間聽得出來音準不準,並不像高音樂器那麼容易,因為低音在耳朵裡聽起來比較容易變成糊糊的,所以要彈得準,或即使彈不準也可以馬上移回來(評斷音準不準,在演出當下是與鋼琴或bass的開放弦來核對,因為空弦只要調準了,就會是準的),這需要長時間的練習耳朵。當然,就跟其他的提琴家族樂器一樣,你也需要長時間的練習bass,讓你可以按下去就是在對的地方,畢竟把位上面只會有一個點是準的。很多練電bass出身的人,沒有這樣的訓練,也沒有下過這種苦功,所以在他開始彈低音提琴之後,理所當然怎麼按都不會準。

音彈準了,和聲才會對,聲音才會傳得遠,如果音彈不準,整個和聲就會聽起來悶悶的。

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很多爵士樂手,特別是學爵士樂bass的樂手,都知道有爵士樂bass大師Ray Brown這號人物。但是,很多人可能不一定知道為什麼Ray Brown偉大,而且在他逝世之後,他所設立的標準,對大多數的bass手來說仍然是個很重要的標竿。

這個標竿並未隨著時間過去,或即使現今爵士樂學校林立,而有所改變,Ray Brown的光芒未曾稍褪,他仍然是時代的巨人。最高水準的爵士音樂家,你只要聽他彈一、兩個音,就會知道那是他,那個高度的辨別性,在bass的世界尤其更不容易,因為低音樂器的音色低沉,通常更難辨別到底這個人跟那個人有何不同。

Ray Brown為什麼好?簡單談一談我心目中Ray Brown的好。


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當你開始學一個樂器的時候,最先開始學的東西是什麼?我會說就是「發出聲音」,而且不是只有發出聲音而已,是先學發出「像話」的聲音。

接下來,是學發出「好」的聲音。什麼是好的聲音?如果是爵士樂的低音提琴的話,就是光靠你的雙手可以讓「整把琴」會響、「整把琴」都會振動……,是有「共鳴」的聲音,而不是只有你彈的地方會振動,僅發出那種細微薄弱的聲音而已;這個聲音是很深的、很厚的,即使在遠遠的地方,都可以聽得很清楚。如果你可以發出好的聲音,接下來才是要發出「你」的聲音,一個既屬於好的聲音,而且又是全世界只有你可以發得出的獨特聲音,也就是 "personal sound",相信這也是所有爵士樂手追求的目標。

舉個例子來說,有很多學習電bass出身的樂手,當開始學習爵士樂後,常常因為如果不彈低音提琴,基本上爵士樂界不會找你等等理由,轉向開始學習低音提琴。但是有電bass的底子,有時不一定會成為助力,相反的,有時反而會成為障礙。因為你一開始並沒有歸零,把低音提琴當成另一種截然不同的樂器種類(意思就是承認你對這個樂器根本是完全不會的狀態),反而去用電bass的想法去學double bass。

在電bass的世界裡,一些人似乎都習慣把電bass的弦調得很低,有些人不思藉由你的手去製造出好的音色,而是藉由amp去調大你的音量(更有很多人習慣去買一堆有很複雜旋鈕的amp,希望可以透過那些東西去調整修改音色),以為只是大聲、小聲的問題。但是在你手上發出的"tone"(音色)如果沒有任何好的音色可言的話,即使是用amp去擴大音量,難聽還是難聽,殊不知唯一能控制音色好壞的就是你自己。

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Arthur's Tavern (Greenwich)

附上一些我在三月份於曼哈頓跟朋友(薩克斯風和鼓組)演奏的「無鋼琴」三重奏錄音,地點在格林威治村的Arthur's Tavern,當然無法跟Sonny Rollins的經典錄音相提並論,但是用簡單的digital recorder錄好後,覺得效果還不錯,現場沒有使用任何的麥克風(以爵士樂團來說,這很正常),給有興趣的網友們參考。

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2011.3 Arthur's Tavern-2

2011.3 Arthur's Tavern-3

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管樂器(通常是sax)、低音提琴的三重奏,算是在爵士史上不多見的編制,但卻是一種非常有特色與鑑別度的編制。因為,既然沒有鋼琴或是吉他等和聲樂器在編制內,很簡單的說,就是在沒有人幫你先彈出和聲的情況下,你必須耳朵裡面已經自動聽到和聲了,才有辦法彈出solo來,不管是bass或是sax都是如此。另外就樂器的音準而言,在沒有鋼琴的狀況下,bass和sax必須要對自己的樂器有相當好的控制,才比較可以對在一起。

以節奏來說,這樣的編制也是鼓手和bass手非常喜歡的一種編制,原因就是少了鋼琴手的制約,節奏組只剩下鼓和bass ,一方面兩者要努力在"time"上面 lock in(契合),二方面在節奏上面也有較多的自由空間可以揮灑。

基本上來說,這是一種頗具挑戰性的編制,如果玩得好的話會很好聽、很自由;如果玩不好的話,節奏上會迷路,和聲上的句子則會不知所云。所以歷代以來,這樣的編制都是一些樂手特別喜歡的一種編制,最常見的經典專輯就是Sonny RollinsWay Out West(圖片來源:Amazon.com

我記得有位樂手朋友跟我講過一個真實的故事。有一位年輕的鋼琴手,在一個薩克斯風四重奏(sax、bass、drums、piano)的演奏中場休息時,跟領班(leader)的鼓手聊天,鋼琴手問鼓手說:「不知道上個set,我的演奏如何?」鼓手說:「你可以回家聽聽看Sonny Rollins的Way Out West ,你就知道了。」

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Dizzy's Club CocaCola-1

Dizzy's CocaCola位於紐約曼哈頓區,大概是這五、六年內才開幕的club,屬於林肯中心的一部分。跟紐約市內其他同價位的jazz club,諸如歷史悠久的VillageVanguard、Birdland或是BlueNote相較,Dizzy's CocaCola算是相對年輕的地點。

前幾天在Dizzy's CocaCola看當代偉大的bass手George Mraz與一群來自捷克的樂手演出,大概是這兩年多來第一次在紐約看爵士樂表演。兩年前的那一次恰巧也是在Dizzy's,看的是吉他大師Kenny Burrell的80歲生日表演。

Dizzy's Club CocaCola-2

十二年前,也就是1999年剛來到紐約時,前兩年在學校念書,只要一有機會,就會開車到紐約市區看爵士樂表演,一個月可以看個十五、二十場,幾乎把所有的錢都花在看表演和聽音樂上面。很幸運的,那兩年還看得到爵士樂黃金時代(五零或是六零年代)留下來的一些些大師(當然大部分都已經過世了,我沒有看到的機會) ,例如Tommy Flanagan、Ray Brown、Stanley Turrentine、Milt Jackson、Billy Higgins、BennyGolson……等等,坐在底下看他們表演真是一種難忘的經驗。那是一種只要一、兩個音就可以感動人的感覺,那是一種有時候看完表演會高興到睡不著覺、耳朵一直有聲音在環繞著你的感覺,當年這種感覺常常就是刺激我練琴的動力。也許現在很多年輕的樂手都很優秀,技巧也很好,可以彈很快,但是我覺得跟這些大師是不一樣的,不是技巧很好 ,彈得很快就可以感動你。

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不論是國外或是台灣國內,吉他都是一種很多人學的樂器,但是事實上以爵士樂的編制來說,吉他的使用度似乎與學習人數呈現相當大的反差。這篇文章中,我想為吉他在爵士樂的定位,提出一些基於現實面的看法,以下條列供讀者參考。

 

1. 現實上,受限於功能性(音域和音色在實際功能上都不如類似角色的的鋼琴),無論從大樂團到小樂團,吉他基本上都是可有可無的樂器。需要找伴奏的人,大都會找鋼琴手,需要找solo樂器的人,大都傾向找管樂器,只需要一支管樂器的話,tenor sax則會是大多數的選擇。

 

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同樣一首歌,同樣是三重奏,同樣彈幾個音,但是最好的player彈的那幾個音,可以讓你全身起雞皮疙瘩。

這是朋友前幾天寄給我的youtube影音檔,聽幾個音,你就會知道差別在哪裡?舞台上的樂手連動都不用動,輕輕鬆鬆玩幾個音,就會傳遞出一種人類本能、原始律動的訊息到你的全身上下。看看舞台上的每個觀眾,包括站在鋼琴邊的薩克斯風大師Ben Webster,不用去買任何一本書來看,每個人都可以用身體的搖擺告訴你,什麼是groove?

Ahmad Jamal的三重奏是史上最偉大的鋼琴三重奏之一,這是無庸置疑的。

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20081028-037

樂團中各自樂器的音量應該是多少,才能建構出一個完美的平衡?


針對爵士樂團的balance問題,我已經在部落格不只一次提過,有些想法我再提出來給有興趣的網友參考。

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最近接到一些彈電貝斯的網友來信,問到如何用電貝斯彈爵士樂的問題。因為絕大部分的爵士樂CD的貝斯都是低音提琴(事實上,爵士樂手心中的貝斯指的就是低音提琴,不是別的),而用電貝斯試著想模仿低音提琴彈奏的手法,似乎很難彈得像,所以不知道有沒有什麼方法?

其實這牽涉到一個問題,低音提琴跟電貝斯根本就是不一樣的樂器

對我來說,電貝斯是吉他家族的一員;而低音提琴則是提琴家族的一員,在「思考」的方式上本來就有很大的不同。如果說要用電貝斯去模仿低音提琴的聲音,那根本就不大可能。首先,兩者音色根本完全不一樣。也有人覺得買了一把電的 “upright bass”,或是無琴格的電貝斯來模仿,可能會比較像,我認為那個音色與低音提琴根本完全是兩回事。電貝斯永遠是電貝斯,低音提琴永遠是低音提琴,所以說在音色上面模仿其實意思不大。如果說真的喜歡低音提琴的音色,還不如直接就找個古典的老師學學低音提琴,只是說對於不少電貝斯學習者來說,要跨出這一步,還是有點困難,因為除了下決心換方向外,還得花上一筆錢買琴等等。

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 和聲出來的時間點與節奏

伴奏者何時應該彈奏?這是一個相對看來並沒有標準答案的問題,即使最好的伴奏樂手,因為個人品味不同也有不同的作法。然而真的沒有大概的標準嗎?我認為有。不管怎麼做,其終極目的都是要讓獨奏的人感覺很舒服(英文應該叫做” “make the soloist play!”)。不僅在音量上恰到好處,而在節奏和和聲上又能充分支撐獨奏者,有時候也可以適時地push他一點點,有時候會在他演奏的音跟音中間補上(fill)一點點東西,有時候是在獨奏者迷路時,帶出一些原歌曲(head)的旋律線,讓他可以知道自己在哪裡。

總而言之,身為伴奏者,你彈的東西應該是獨奏者需要的東西,這也是伴奏的意義。

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吉他與鋼琴是和聲樂器,在爵士樂團中除了獨奏(solo)外,伴奏是必須要會的工作,而在某個程度上甚至比獨奏重要許多。記得曾在某一本吉他教材中看到作者提到,以一位職業演奏的爵士吉他手來說,大概百分之七十五以上的演出都在幫人伴奏(我認為一般來說不只),所以伴奏在實際謀生層面上甚至比獨奏(solo)來得重要很多,這樣的情形我想不只是爵士樂,流行樂應該也都是類似的情形。

和聲樂器的伴奏好壞,可以說決定了一個爵士樂團一半的命運。一個好的和聲樂器的伴奏,可以讓整個樂團有加分的效果;反之,如果是一個不好的鋼琴或是吉他手來伴奏,也可以不費吹灰之力便輕而易舉地毀掉整個樂團。

以下有幾個可以提供和聲伴奏樂器(鋼琴或吉他)注意的地方。

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Atilla Zoller and Jimmy Raney - Duo
(http://www.youtube.com/watch?v=CDWomOtFCGE)

偶然在Youtube上面看到這段演奏,是由爵士史上兩位吉他大師Jimmy RaneyAttila Zoller的二重奏(duo)演出。

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小編制樂團的編曲

有網友問我說:今天有人跟你說我們現在要彈某某歌曲,一開始前奏是F調的三六二五重覆三遍後,再來是主旋律;彈完主旋律後,先由薩克風手solo三遍,然 後換小號手也是三遍;接下來由鋼琴手演奏時,曲子的A部分變成double time,第二遍solo才回到本來的拍子;接下來,鼓手第一遍先trade 8,然後再trade 4,然後回到head out,head最後的四小節重覆三遍,每一遍都是漸弱,然後結束。樂手應該是這樣玩的嗎? 這是一般小編制樂團的所謂「編曲」嗎?

我的答案是相反的。

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要當一位稱職的大樂團bass手需要具備什麼條件呢?個人認為有下列三件事必須注意,提出供各位參考。


一、徹底了解各時代big band的風格


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在美國的歷史上,大樂團(Big Band)在五零或六零年代之前,可以說是當時的主流或流行音樂。當時電視台的樂團都是大樂團,年輕人聽大樂團音樂的也很多
,在搖滾樂興起之後,大樂團(或是爵士樂)市場才慢慢地沒落,雖然直到在六零年代或是七零年代,還是可以看到一些樂手可以靠著在單一的大樂團演奏而生存(註一),但聽眾方面則面臨逐漸老化的危機。


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前次文章中談到關於一個好的bass需具備的三項條件之一--準確而一致的拍子bass手無論什麼時候都要跟鼓手合在一起。其實,基本上可以說是任何樂器都應該要跟鼓手合在一起(lock in),演奏中負責掌管拍子的人是鼓手,只是說比起其他樂器,bass手必須和鼓手合在一起是最為重要的。鼓和bass合在一起,就好像房子蓋好了地基一般,這棟房子才能繼續往上蓋。不過,話又說回來,吹管樂的人若拍子不準,基本上也比較不會像bass手那麼容易被抓到,因為bass手是一拍一個音,一翻兩瞪眼。有時候管樂手吹一堆音,拍子準不準自然不會像bass手那麼明顯(當然,好手一樣可以聽得出來準不準),除非是兩個以上樂器一起吹unison(齊奏)的東西,那麼很容易就可以看出來有沒有問題。

一般來說,小編制的管樂手,在某個程度內較能容許拍子不大準,但如果在
big band擔任管樂手(horn player),拍子不準或是吹奏時合不起來,這個就不行了。

然而,即使演奏中掌管拍子的人是鼓手,並不等於開拍子就是鼓手的工作。據我觀察,似乎有很多國內的朋友並不知道這件事。很多人玩流行音樂,看到鼓手拿著鼓棒數著「
1,2,3,4」開拍子,就以為爵士樂團也是這樣。其實,爵士樂團是吹head 或是當leader的人(大部分是leader)開拍子給鼓手的。有些人雖然知道是leader開拍子,但仍然請鼓手開,原因是自己心中的拍子根本不穩,要彈一首歌也不知道開什麼tempo,有時候拍子一開下去,跟心裡想的根本不一樣,甚至差很多。有時候即使是知道什麼tempoleader拍子一開下去,一個四、五個人的樂團,每個人的tempo都不一樣,各彈各的,從第一拍下去的那一剎那,就已經有四、五個不同tempo,這時樂團就已經死了,因為大家都繼續各彈各的,救回來的機率也不大。

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想當一位合格(60分)的bass手,我認為需要做到以下三件事,而這三件事正好都不用去買教材,只要去聽CD和多練習(在家自己練,加上在外面跟人合奏或做場子),就可以慢慢知道。

這三件事依重要性排列如下:

1.拍子(play time)

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這是一位bass手朋友日前寄email問我的問題,經當事人同意後,將內容編輯後放上部落格,僅供參考,也希望對一些人有幫助。


問題:

在walking bass時, 譬如在"in 2",或"quarter note walking”下,會加一些節奏上的變化,如一個四分音符彈成「附點八分音符+16分音符」,聽起來會比較「豐富」一點。這種增加一些節奏變化的演奏,你當初是怎麼樣去練習的?因為如果加很多,感覺就很亂,太少似乎又太單調。


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