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為什麼聽正統爵士樂要到紐約?
為什麼紐約聚集了一堆優秀的爵士樂手?
為什麼你聽過有名的爵士樂手幾乎都來自紐約?

因為紐約就是爵士樂的代名詞!

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另外一個常常見到的是所謂的融合樂,也就是Fusion,這種音樂的一切應該是從Miles Davis開始的,一方面當時搖滾樂崛起後,爵士樂的市場慢慢變小,他就把Rock這個音樂形態融到爵士樂之中,所以才有後來這些所謂融合樂的經典專輯 (有人稱為Fusion,有人叫做jazz rock)。不過,如果仔細聽的話,你會發現裡面的節奏型態大都不是 Rock,其實大部分都是Funk、R&B 類似的節奏(很多台灣的流行樂手可能不知道為什麼?事實上,美國 一般的分類,基本上是把 R&B、Funk、Soul、Motown 或是真正的Rock 節奏等流行音樂都歸類到Rock N' Roll history或是Pop history的一部分,所以如果你是Funk player 的話,基本上,你可以被稱為Rock player),而且和聲上面都是爵士樂的和聲,solo也都是本來是爵士樂的那種句子,那是百分之百的爵士樂,精神和內容上都是。

譬如說70年代的Weather Report 也是一樣,他們本來就都是最好的爵士樂手,他們演奏的東西也是爵士樂和聲,然後加上一些 funk或是民族音樂的元素。

但是後來的所謂融合樂,卻有了很大的分歧。

目前我們台灣樂手很喜歡聽的謂融合樂團,比如說日系的Casiopea、T-square那一類型的音樂,或是一般像是美國會歸類到smooth jazz / contemporary jazz類型的音樂(比如說George Benson從1976 年Breezin'專輯之後的音樂成分),其實說真的,我覺得根本跟爵士樂很難扯上關係。這一類型的音樂比較像是本來是流行樂手,想要進階玩演奏的東西會去玩的音樂(因為你可以solo很久),從和聲來看就是如此,大部分這些歌都是流行音樂的和聲,根本不是爵士樂的和聲。

雖然音樂種類沒有分高低級,但是以難易程度來看的話,如果說爵士樂的和聲難易程度是大學生等級,這類型音樂的和聲的難易程度大概算是小學生等級吧。簡單說吧,如果本來你是好的爵士樂手,理論上你要玩這樣的音樂其實蠻簡單,和聲上面沒有什麼你需要多知道的知識;但是如果你本來是流行樂手(blues / rock / funk),你要玩這種音樂可以說剛剛好,但是如果你要玩爵士樂,那真的沒辦法,爵士樂的進階門檻確實比較高。

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大約這十年來,爵士樂處在一個有點模糊又有點矛盾的狀況下,好像一天到晚都有爵士樂專輯問世,可是其中有多少真的可以跟爵士樂扯上關係,或者說跟之前被公認為爵士樂的那條路徑有淵源或是傳承關係,其實很難說。

有很多聽起來明明就不是傳統認知的爵士樂的音樂,似乎也喜歡以爵士樂為名稱來包裝或歸類。不知道是「爵士樂」這三個字聽起來比較高級,或是真正被視為爵士樂的爵士樂(應該是英文的Main Stream Jazz)的入門門檻真的高很多,要彈到像個樣子有60分,真的比較難,不是每個人都可以做得到,所以彈其他類型音樂的,有時候也想拿來模糊一下。美其名是融入了音樂的新元素,實質上可能在本質上風馬牛不相干。另外一個原因,也可能是傳統爵士樂的市場日益變小,於是必須要引進新元素,即使本質跟流行樂差不多的音樂,被包裝成是爵士樂,那本來喜歡聽這種音樂的人就會來了,這有利於把市場作大,但是壞處是最後可能沒有年輕人會搞得清楚什麼是爵士樂?什麼不是爵士樂?而似乎這種被刻意製造的模糊越來越多。我想以上這三種狀況都成立。

最常聽到的是聽起來像是世界音樂的音樂,比如說加入了一些非洲的節奏,加入一些各國民族音樂元素的節奏,大概在十幾二十年前,大家都會說那是世界音樂(World Music),然後可能這幾年也有人說那是爵士樂。可是,到底這樣的音樂跟爵士樂的關係在哪裡?有些人說爵士樂的特色之一是即興演奏,所以可以把有即興演奏的音樂跟爵士樂連結上關係,問題是很多音樂都有即興演奏,搖滾樂、拉丁音樂、藍調音樂,或是數不清的流行音樂,甚至是不少國台語歌都有即興演奏的元素,難道每種有即興演奏元素的音樂,都可以被當作爵士樂嗎?顯然不是。

我的觀點是:每種音樂都很好,並無高低之分,但是不是某種音樂類型的音樂,也不應該被混在一起談。

有些時候,比如說當年的咆勃樂手的Stan Getz把Bossa Nova引進爵士樂中,但是其中這些Jobim的作曲和聲以及樂手的solo等等,其實構造上面都是很標準的爵士和聲;到了現在,巴西風爵士也變成爵士樂中很重要的一個圈子,跟另外一個Salsa風的爵士一樣 (例如Tito Puente、Machito)。

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很多時候,一般在台灣,我們通常會期待每個人表面上都要對別人好,表現得友善、有禮貌、親切,在音樂圈也是如此。

不管是練團或是演出等等方面,我們都期待別人對你很親切、好聲好氣的,可能很少有人會去思考:憑什麼人家有義務要對你好?

我有個常常一起合作的朋友Mark,曾經擔任七零年代不少大牌R&B歌手的keyboard手,在一個演出空檔閒聊時曾說過一句話,我覺得這句話有很深的含意,那就是:

"You have to earn your self-esteem."

Self-esteem翻成中文就是「自尊」、「尊嚴」,這句話則應該翻成:

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還有另外一個在自我介紹中常看到的詞彙是「同台過」,或是「合作過」的樂手等描述。「同台」可以視為英文的“share the stage with someone”,以合作過的樂手來說,在這方面的尺度則如同前面所述,完全是因人而異。有些人會把所有曾經正式或是非正式的演出都算進去,例如在紐約的jam session剛好遇到了Wynton Marsalis(著名的小號手),然後他上來jam,剛好你也有jam到,結果你可能就會看到有人回家後,把合作過的對象加上了Wynton Marsalis。更猛的甚至還可以在網站上加上一張兩人並肩的微笑合照,弄得好像大家都很麻吉一樣。唯一沒提到的事實是:這是一個jam session,而且Wynton根本沒得挑選樂手。類似這種情形其實很多。

說到跟Wynton Marsalis同台這件事,我就想到大概七年前吧,我跟鼓手Seiji 跑到紐約的Cleopatra’s Needle 參加jam session,我們把名字和演奏的樂器填在jam session表格上,等待主持人叫我們的名字然後上台jam。結果到了半夜兩點左右,Wynton Marsalis 也跑來這裡jam session,像 Wynton 這種高知名度的樂手,當然不需要等,直接就可以上台jam。結果他上台jam時剛好也輪到我們上台,主持人叫了我上台彈bass之後,表格上明明接下來就輪到Seiji上台,結果另外一個日本鼓手忽然衝上去說接下來是他(顯而易見的,他當然是為了想介紹自己給Wynton認識才使出這招),主持人也沒有查證就直接讓他上台,所以我有了這個唯一一次跟Wynton Marsalis合奏的機會,但是Seiji就沒有跟Wynton Marsalis jam到。雖然同樣是日本同胞,結果到了利益衝突的時候,還是一樣會有人當場把你賣掉,真是人心難測啊!不過這個日本鼓手真的太單純了,就算你彈得再好,Wynton怎麼可能會用你呢?他只是上台爽一下而已,他才不管同台的是誰呢!

至於「同台」這件事情,也就是英文的“share the stage with someone”,通常這個someone某某人,都會是有名氣的樂手,希望用這種方式來證明自己其實能力不錯,讓別人以為你可以跟某某知名樂手一起演奏,那麼你的演奏能力應該也不錯,在台灣或是國外,常常都可以看到有人這樣介紹自己。但是,「同台」這件事的學問可大了,而且每個人的認知都不一樣。我有位美國樂手朋友,他曾在某個音樂節中演出,他們演出結束之後的節目是Chris Potter(知名薩克斯風手),結果他就說他曾經“share the stage with Chris Potter”,基本上只要同時站在台上,每個人都可以說自己跟大師同台,即使是前後兩個節目,只要是同一個舞台,我都聽過有人這樣說。當然,絕對不是每個人都會這樣說。

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自從網際網路普及化之後,對於很多音樂工作者來說,等於又增加了一項宣傳工具,而大概在這十年以來,這項工具也變得更加的重要。在我1999年剛到紐約時,還沒有那麼多的音樂家蓋網站,不過當時,已經可以看得到這股趨勢,每年慢慢的有越來越多的音樂工作者蓋網站,後來部落格出現後,也有很多人蓋了部落格(我也是其中之一),接著像是my space之類的東西也出來了(可以將音樂放在上面),然後開始也有twitter、 plurk,或是facebook之類的工具,這些東西除了有交朋友的功能,對於樂手來說,也具有經營社群、宣傳活動及推銷自己的各種功用。

對於今日的樂手來說,宣傳自己是非常重要的事,如果你不宣傳自己的話,在一個多數樂手都大肆宣傳自己的環境裡,你很容易就會被忽略。跟一些美國朋友在聊天時,我們常常會以“shameless self-promotion”的字眼(我翻譯成「厚臉皮式的自我宣傳)來形容。的確,你必須無時無刻都讓別人對你留下印象,無論是音樂演奏內或音樂演奏外都是如此。在音樂演奏內,樂手可以著墨的地方不多,因為彈得好就是好,彈不好就是彈不好,即使加了再多形容詞都無濟於事(起碼在樂手或音樂文化平均素質非常高的國家是如此),完全無處躲藏。除此之外,在jam session的時候,還會準備好自己的名片,下台之後不能拍拍屁股馬上就走掉,得到處跟人寒暄打招呼,留下名片是最好的宣傳方式之一(台灣比較常見到的是發簡訊留下電話及資料),一旦對方有了你的名片,知道了你的聯絡方式,也許在交換名片當時並沒有對你留下深刻印象,但是等到哪天臨時找不到樂手時,或許還是會找上你也說不定。

除此之外,網路宣傳也是一種工具或是手法,特別是在樂手相對於美國來說少很多的台灣,可以說是主流的宣傳方式。就是因為自我宣傳極為重要,所以可以看見不少人在網路上利用文字來推銷自己,而因為文字上所掌握的界線因人而異,就會發現有的人寫得很含蓄,有的人則很敢寫,什麼樣的人都有,每個人的個性和對宣傳界線的認知,似乎都不一樣。

以自我介紹來說,樂手大多是介紹自己的學經歷或是曾參與的演出活動等等。然而,真正的事實只有一個,可是寫法或是語氣卻有千千萬萬種(當然,你也可以說每個人對於所謂的「真相」 (truth) 的認知不同,或是有些人希望「真相」越模糊越好?)舉例來說,有些人是平鋪直述的說明自己畢業於某某大學,可是有些人卻會加入很多形容詞,例如會說自己「以極優異成績考進或是畢業於某學校」。(當然,如果你拿了全額獎學金,應該是屬於資質不錯的那群學生。)問題是這種情形往往是無頭公案,因為沒有人會知道你的成績有多優異。有時候甚至連畢業的學校本身都要包裝一下,如果是沒有聽過的學校,就必須要包裝一下,變成好像這是一所大家都應該知道的學校;或者將它描述成需要度過重重難關,經過層層挑選才能畢業的學校。用各種明示或是暗示的方法,試圖讓人家看了會覺得自己是很不得了的。

其實對我來說,恆久不變的事實就是:有沒有去過哪間學校或是有沒有去過學校,跟你會不會彈沒有什麼關係,這是一件殘酷的事情,但是事實就是如此。

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綜觀爵士樂所有樂器的樂手中,依我的經驗及觀察,最容易在器材上面花許多心思的,我認為莫過於吉他手了,而且這種情形在台灣比美國還更為常見。

會有這種情形其實有很多原因,一個主要的原因是吉他平均來說價格不像低音提琴或是鋼琴那樣昂貴,而且體積小,可以在家中放個好幾把沒關係,不像低音提琴,家中有兩把就已經非常多了。

另一個原因是打開吉他的雜誌,幾乎所有雜誌都使勁渾身解數地用各種方法暗示、鼓勵你要更換、比較器材等等,有什麼可以換呢?從拾音器(pickup)、琴弦(質料或是粗細),或是音箱(瓦數、真空管或是晶體、廠牌),甚至還有效果器等等,每期雜誌上都可以看到諸多廠牌型號的比較。

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這十多年來,隨著國內有許多爵士樂大型活動的產生,國內爵士樂資訊暢通,加上出國學習爵士樂者眾多,很多樂手朋友也進而宣稱自己的作品是「台灣爵士樂」,自己演奏的是台灣的爵士樂。廣義上來說也沒有錯,只要你是台灣人,又演奏爵士樂的話,那麼理論上可以說是「台灣爵士樂」。然而,要發展具台灣特色的爵士樂(是指文化內在的底蘊,不是表面上或是呼口號式的),則可能又是另外一回事。這起碼有兩個要件,第一個是能夠很自然的擁有台灣文化或是精神上的特色,可能不是刻意去找一些台灣本土的素材,將之改編成爵士樂,也可能不是刻意將一些原創作品取些與台灣有關的名字的這種狀況,是聽起來很自然的。當然,這部份就要訴諸聽覺,沒有太多形式上的標準。

第二個要件則是它必須真的是爵士樂,不是別種音樂。這個情形,現在有點日益困難,標準也似乎有愈來愈混淆的狀況【附註】

個人認為以上兩件事都非常重要。有一個很好的例子,就是巴西。巴西風的爵士樂,無論是開路先鋒Jobim、Joao Donato或是之後許多的樂團,他們的音樂跟傳統的美國爵士樂,無論是節奏,甚至和聲進行都有不同,但是沒有人會說這不是爵士樂,而且真的是深具巴西風格,到最後反而進一步影響了主流的爵士樂風。

這種文化上自然的互相影響或融合,可能需要半世紀甚至上百年的積蘊。

個人認為與其說「台灣爵士樂」,不如說「爵士樂在台灣」

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※續上篇:環境好不好?看台灣爵士樂環境 (上)

台灣的爵士樂環境真的有那麼差嗎?

再倒過來說,台灣的爵士樂環境真的有那麼差嗎?如果真的那麼差,其實,很多這些所謂的老師、樂手,包括我,甚至音樂圈的每個人都有責任。環境也許就是被我們幾十年來一堆人給弄爛的。結果,把環境弄爛的這些人,再倒過來抱怨環境不好,然後私底下只要有一些資源,有演出、有酬勞,大家就搶著瓜分。如果自己可以獨占的話,絕對不會分給別人。每個人頭低低的繼續賺錢,演出的演出,教學的教學,後面來的人或是剛入門的新手,想分碗肉湯喝恐怕很難,對不起!門都沒有,一定暗中排擠你,然後賺了錢後,再繼續地抱怨台灣環境不好。

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我常常聽到很多在台灣的樂手朋友跟我提到,台灣的爵士樂環境不好(或是音樂環境不好)的種種問題,而這樣說的朋友,總的來說,以出過國學音樂的較多,其中有外國人,也有台灣人。

這樣的討論,除了是平常聊天,茶餘飯後的話題外,另外一方面,也帶有不少抱怨的意味。有些朋友的言談之中,難免讓我感覺到似乎有些「懷才不遇」的感覺,而有些朋友則讓我感覺是帶著輕蔑的語氣來看台灣的環境。當然,也有些朋友,讓我感覺是希望能夠為自己覺得不好的這個環境做些什麼事。

台灣的爵士樂環境不好!?

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Jimmy Bruno 是一位優秀的爵士吉他老將,相信大多數爵士吉他的玩家都應該知道他是誰。

他的pick技巧可說是好的嚇死人,偶然看到他的網站,得知他的手一月多開刀了,現在還在復健中,衷心希望他趕快康復。

另外,也推薦一篇他網站中的文章"state of jazz",對於今日美國的文化現象、音樂圈現象,或更進一步對爵士樂圈的媚俗或商業政治,或甚至美國的樂評的音樂程度等,都有一針見血的分析。

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Listening to CD's With Hank Jones: History, Heard From the Inside (New York Times)
By BEN RATLIFF
Published: September 2, 2005

雖然這是2005年刊登於紐約時報的一篇專訪,但是Hank Jones在不少樂手的心中,是目前世上仍活著的爵士鋼琴手中最好的鋼琴手。從這篇專訪中,我們可以看到Hank對音樂的態度、對樂手的態度,是一篇不錯的專訪,值得仔細閱讀。

我記得兩年多前,有次我去Iridium Jazz Club 看Hank Jones表演,到了第三個set,Hank演完一曲後,請台下的鋼琴手James Williams上台表演。James一上台後,就對著台下說:「謝謝這位『世界上最偉大的爵士鋼琴手』的演出。」Hank還蠻嚴肅的上台制止他不可以這樣說……。沒關係,我們只要心裡這樣想就好了,不用說出來,不過,可以想見大師的態度是非常謙虛的。

在紐約一般的jazz club中,通常一個set只要彈一個小時或50分鐘,有一些樂手上台穿得也很隨便。但是Hank的trio上台演出,一個set是一個半小時,一律穿tuxedo(男士有領結的正式禮服),而且時間一到一定準時演出,我看過他的演出最少20遍了,完全沒有延遲過一分鐘。

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這裡有幾篇文章的網址連結,摘自辛辛那提大眾交響樂團的吉他手Tim Berens的網站
其中有些很好的文章,我相信可以給一些學習吉他的朋友做參考。
他在這些文章中,對於一個職業吉他手須具備的能力,有相當清楚的描述。
不過聽了他的音樂之後,個人認為他的爵士吉他並不是彈得非常好的那種。
但是我相信他的專長是什麼style都有一定程度,而且視譜一定很快。

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Bassist Todd Coolman's website

這是bass手Todd Coolman的網站。他是我在美國唸書時第一年的主修老師,是一位誠實的老師。他跟很多人合作過,目前是James Moody Quartet、Carnegie Hall jazz Band及 Jon Faddis Quartet 的bass手。很多Jamey Abersold 的play along CD 也可以聽到他的演奏。

他有爵士樂手中少見的博士學位,對於爵士樂在學術上有些研究,但是他也是一位優秀的爵士樂bass手。他有一本書叫做 "The Bass Tradition",建議對jazz double bass從古到今的傳統和代表人物及分析有興趣的朋友,可以去買一本來看看。

他曾為數年前出版的boxset CD "Miles Davis Quintet 1965-1968" 寫過內頁,並且獲得葛萊美獎。
(1999 Grammy Award winner! Author of album notes for "Miles Davis Quintet 1965-1968",

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算是對KENNY一生的簡單介紹,加上一些作者個人的想法,共上下兩篇,可以看看。

請給Kenny Dorham十五分鐘(上)(科學怪人‧小時候)

請給Kenny Dorham十五分鐘(下)(科學怪人‧小時候)


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