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Sam Taylor Plays Japanese Enka

爵士樂傳入台灣的時間可以說很早,基本上可以說從日治時期就有蛛絲馬跡,最有名的就是小號手楊三郎赴日學習爵士樂以及小號,回台後創立了黑貓歌舞團(註一),在歌舞團節目中可以很明顯看到日本吸收來自西方或美國如和聲學、音樂劇等等的概念。

明治維新之後,日本可以說是亞洲西化最快的國家,他們不只引進西方的學問,他們是真的內化這些東西,變成他們思維的一部分(註二),除了邏輯和科學以外,也包含了藝術和人文方面,今天在台灣各縣市可以看到的老街(台北迪化街、桃園大溪老街、台南新化老街等等......),或是日治時期留下的火車站,例如台南車站,都是日式的巴洛克建築,是一種跟歐洲巴洛克建築不太一樣,可以說是大和民族對於巴洛克風的詮釋。

不只是建築方面受西方的影響,音樂方面也是,西方的和聲學、樂團形式也被引進日本,甚至連爵士樂以至後來的搖滾樂都是。依據我的印象所及,日治時代的電影就可以聽到類似Dixieland的樂風。西方音樂對日本接下來的音樂產生什麼影響呢?日本的流行歌基本上和聲進行會比較合於西方和聲學的原則(相對於台灣的國語老歌),而因為台灣當時是日本的一部分,當時的音樂文化也就這樣傳了進來,台灣民間廟會的陣頭樂隊或是出殯的樂隊就是一個很明顯的受西方影響的例子,因為那個編制其實就是marching band(行進樂隊),真正歷史的源頭則是紐奧良。

這種樂隊形式直到現在仍散見於台灣民間,在廟會陣頭或是喪禮時可以看到像這樣的樂隊,台灣叫做「西樂隊」,這個「西」指的是它源自西方,不過呢,那不是直接從西方傳進來的,是轉了一個彎先到日本,然後再從日本傳進來台灣的。

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彈爵士吉他的人很多,如果問起每位吉他學習者:「誰是你的偶像?」喜歡傳統爵士吉他樂手的人會說Wes Montgomery、Tal Farlow、Kenny Burrell、Jimmy Raney、Jim Hall、Grant Green,更早的甚至有Charlie Christian或Django Reinhardt等人。當然,近年來,不少年輕輩的吉他手聽的東西不一定以這些年代的樂手為主軸,一些人聽的樂手比較像是七、八零年代崛起的樂手,如John Scofield、Pat Metheny等等。

然而,爵士吉他學習者的偶像崇拜風潮,也是一陣一陣的,學校裡學生的品味除了受到老師的影響外,也會跟隨媒體走,通常誰經常出現在一些主流的爵士樂雜誌上,就比較容易受到崇拜。1999年我剛來紐約時,學校裡學吉他的同學,大概就以崇拜Pat Metheny或是John Scofield為最大宗(學sax的就是崇拜Kenny Garrett或是Joe Lovano、Michael Brecker),這種受到媒體影響而崇拜某些特定人物,其實是很有趣的現象,因為不少爵士樂手通常會有點看不起流行樂,覺得那是媚俗的音樂,而以爵士樂的小市場取向或是自以為與眾不同而自我感覺良好。然而,有趣的是絕大多數的爵士樂手,特別是學校裡的學生,崇拜的對象基本上也跟流行樂沒有兩樣,在這個由網路或媒體主宰的年代,你的喜好或是你心中的guitar hero,很多時候是受到媒體、雜誌或是教育系統操控的。

也因為如此,在這個誰能佔據媒體版面,誰就覺得自己是個咖的訊息時代,對樂手來說,宣傳自己似乎變得很重要。首先,你可能要先出版一張專輯,再以此為主軸來宣傳。有些人會自己發行自己的專輯,然後在一些獨立的通路上販賣,例如CD Baby網站就以此著名。這是最不傷本錢的方式;比較傷本的是在有名的唱片公司旗下發行,所謂的在唱片公司發行,很多時候並非唱片公司出錢讓你找樂手,並且付錄音室錄音的錢,當然如果你是有名的大師級樂手,或是唱片公司刻意炒作栽培的明日之星(一般來說四、五年才有一個),唱片公司會幫你出錢,但是大多數的樂手通常都是自己掏腰包錄專輯(你必須支付其他樂手和錄音室,包含錄音、混音、後製,有時候甚至專輯封面、宣傳照等等的費用)。

那麼,有名的唱片公司是要做什麼呢?他們一般主要的工作就是鋪貨(distribution)的動作,幫你鋪貨到各大通路,以美國來說,網路像是AMAZON,實體店面例如TOWER RECORDS等等。鋪貨要不要錢?當然要付給唱片公司一些錢。除了鋪貨以外,唱片公司還會提供別的服務,例如利用跟媒體的關係幫你發新聞稿、開記者會,甚至拍MTV或是拍宣傳照等等,當然,每項服務都有價目表。這幾年,由於唱片工業的衰弱,唱片公司很多時候很難靠賣CD賺錢,於是他們開始逆向操作,變成從想發片的樂手身上賺錢,一方面唱片公司賺到錢,二方面樂手賺到名(你可以藉此宣傳你是哪家大唱片公司的簽約藝(recording artist),表面看似風光的背後,有時候反而是自己掏腰包換來的。

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Jeff Castleman (Minn Post)

在爵士樂的歷史上,有很多眾所周知的人物,像是Charlie Parker、John Coltrane等人,這些人是為爵士樂帶來革命的大樂手,也有像Phil Woods、Joe Pass這樣的人,對自己的樂器有極佳掌握,成為後代的學習範本。然而,我現在講的並不是像這些人。在我們沒注意到的地方,也有很多樂手其實彈得非常好,不輸給許多明星樂手,但是在歷史上並沒有留下太多的評價或注意。有些人很年輕就過世了,也有人是在很年輕的時候,因為體會到樂手生活的極度不確定性,於是就轉行了,或是到了一個年紀之後,就開始從事教育工作,也許在大學裡面從事教職等等。

我在紐約十多年,遇過很多這樣的人,總之,每個人都有不同的生涯規劃和生長背景。隨便舉個例子,現在紐約大學(NYU)數學系的教授Rob Sneiderman,就是一位彈得非常好的鋼琴手,很多專輯像是J. J. Johnson Live at Village Vanguard等錄音都是由他擔任鋼琴手。很多年前在一次jam session中遇到他,他就說了,他已經有老婆小孩了,適合有一份安穩的工作,所以他本來是念數學的,所以就繼續把數學博士念完,回來紐約應徵得到大學教職,這樣一來還是可以繼續在爵士樂的首都裡生活,晚上也可以彈彈gig,至於寒暑假也可以去巡迴,他的case是比較近代的。

另外一個我聽說過比較久遠一點的則是鼓手Pete La Roca,他在五零年代到六零年代可是威風凜凜的大鼓手,無論是Sonny Rollins或是John Coltrane的樂團都少不了他的存在。有名的John Coltrane四重奏,很多人的刻板印象以為鼓手固定就是Elvin Jones,加上鋼琴McCoy Tyner和bass手Jimmy Garrison,其實Coltrane在經典的Village Vanguard演出的第一周,鼓手就是Pete LaRoca ,而鋼琴是Steve Kuhn,所以說Pete的地位在當時是相當高的。然而,即使如此,他還是選擇完成學校學業,六零年代轉行成為律師,類似這樣完全「轉業」的例子不勝枚舉。我常常想,如果他們繼續在爵士樂圈中,Pete的地位可能會跟Elvin Jones一樣平起平坐,然而也許未必會活過四十歲,因為太多當時的爵士樂手因為生活習慣的問題(藥物濫用、酒精濫用),很多人都是英年早逝 ,所以不一定是所有樂手想要的結局。我曾跟一位鼓手Ben Dixon彈過幾場演出,他可是Grant Green當年在藍調(BlueNote)唱片發行前四張專輯的鼓手,然而他也早早就離開爵士圈,在紐約找了份公家機關的工作,據他的說法也是一樣,那個年代的樂手個個都有藥物濫用的問題,他不想這麼早死,所以就離開了。即使如此,當年藥物的痕跡依然存在,他的皮膚看起來比他的實際年齡老了十歲左右。

接下來要談的例子是我最近發現的。前陣子我在家裡看了一部Duke Ellington大樂團在1968年墨西哥巡迴音樂會的紀錄片,音樂會中演奏名曲Take the A Train 時, 特別讓bass手演奏一段很長的solo。這位叫做Jeff Castleman的bass手引起我很大的注意, 因為他不僅節奏感相當好,低音提琴的技巧和掌握可以說相當厲害,通常這樣的樂手在歷史上都會提到,可是我完全沒有聽過這個人,他就好像在歷史上消失了一樣,沒有留下任何痕跡。於是我上網找了他的資料,讓我吃驚的是,那場Duke Ellington的錄音,他當時只有21歲。跟前面提的樂手一樣,他也有不同的生涯規劃,他到了爵士樂不盛行的明尼蘇達州,接掌他岳父的酒莊(賣酒的商店),而在八零年代後,又轉行成為鋼琴銷售員,現在則是明尼蘇達州施密特鋼琴的頂級銷售員。這個工作上的變化可以說有夠大,而且根據報章雜誌上的報導,他給我的感覺就是他對於目前的生活感到相當安樂而知足,一點都不會緬懷過去的曾有的榮光。我認為這是很棒的想法 ,人固然要珍惜過去的記憶,但是也必須要一直往前看,無須眷戀。

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從1950年代開始,隨著美軍駐台,很多美國的文化,包含流行音樂、爵士樂及搖滾樂,都慢慢地進入台灣社會中,從美軍駐台 (1951) 到離台 (1979) 這段期間,很多音樂或是社會文化方面的影響或演變,是我一直有興趣探索的範圍。

前一陣子,在一位前輩老師的家中挖到這張黑膠唱片,這張是少數(有可能是唯一)在台灣的頂尖菲籍樂手錄製的流行樂專輯,專輯名為 "Hands Up" ,團名為 "Chris Villa and his Bandidos",錄製年代應為美軍撤台前後幾年左右。

這張唱片基本上是把當時排行榜前幾名的歌曲錄成一張專輯,有主唱、節奏組和horn section(管樂)。專輯中的成員,年輕一輩耳熟能詳的應該是Met Francisco(長笛/alto sax), Ben Rigor(alto sax為主,也吹tenor和豎笛)和Bert Amparado(小號或是柔音號),專輯的leader Chris Villa 據查是在台南美軍俱樂部演奏的樂手,是菲律賓和荷蘭混血兒,其他兩位同姓Villa者應是他的兒子 ,專輯中唯一一位台籍的樂團成員為鼓手,從唱片封面的照片來看應該是鼓手林森元老師(印象中他應該是前台視大樂隊鼓手)。

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這是youtube上一段鋼琴家Hank Jones於五零年代的錄影。Bass手是Ray Brown,鼓手是Buddy Rich,這是一首一分多鐘的blues,具備了所有偉大的演奏元素在裡面。

Hank Jones優雅的鋼琴觸鍵(touch),可以讓每個音聽起來都是那麼恰如其分,不多也不少的在時間流動中依序出現。每個句子都可以串連在一起,而且是以非常有邏輯的方式在說話著。開前奏時,可以清楚的顯示出節拍,每個樂手該solo時就是solo,伴奏時就是伴奏。

最好的樂手間的溝通,當下不需要任何言語,只要一個音,即使是一個休止符,彼此就會知道對方的心意,彼此不會有一丁點的疑惑,跟鏡子一樣清楚。

這首blues就像一條緩緩流動的河流,慢慢的前進著,但是卻可以到達他想去的任何地方,可以在短短的一分鐘多內做結束,而且是以漂亮一點都不勉強的方式畫上句點,一句廢話冗言(多出來的句子)都沒有,這是最高段樂手的層級。

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1962年登上國際爵士雜誌Down Beat的台灣爵士樂手 - 黃明正老師 (Timmy Huang)

"Best Asian Guitarist outside of Japan"--Down Beat Magazine, 1962

1962年,知名的爵士音樂雜誌Down Beat,曾經報導過一位台灣本土的爵士樂手……

"When I went to Formosa, Tony Scott was about to rehearse a Chinese big band playing arrangements by Marty Paich and Bill Holman. It was heartening to watch how Scott managed, with his tremendous Verve, to mold an orchestra out of this mess of undisciplined and untutored Chinese musicians. The most important soloist was a young guitarist Timmy Huang." (Joachim Ernst Berendt - Down Beat Nov.22, 1962)

--Tony Scott Official Site

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對我來說,jam session是爵士樂精神的最佳展現,沒有事先rehearsal,也無法預知將跟誰合奏,這種情形之下,一個樂手行不行,在jam session的舞台上,將無所遁形。

台灣何時有真正的公開jam session,已經不可考。但在七零年代,台北市的農安街附近,有一間英國人開的酒吧,名為Horse Shoe (馬靴),很有可能是台灣第一個每週固定一天有jam session的地方。來Horse Shoe jam session的許多都是台灣至今最top的jazz player(許多為菲律賓籍樂手),包含薩克斯風Ben Rigor、Met Francisco、小號手Birt,或是鼓手Romee(拼音或有誤)等等……。

這是一段七零年代在農安街 "Horse Shoe" 錄下,極其珍貴的錄音。據說當年的場景可說是很標準的職業水準樂手的jam session場合,不需要rehearsal,沒人看譜,上了台點個頭之後便直接開始彈,其中的鋼琴手,可以說是台灣史上最好的爵士鋼琴手,他就是人稱Timmy Huang的黃明正老師。你會在這段錄音中聽到他深受Art Tatum、Oscar Peterson、Errol Garner的影響,加上他深厚的古典樂底子(但事實上他並未曾真正受過古典樂的傳統音樂教育訓練),以及他自己對於音樂斷句、呼吸等等的詮釋……,讓他的聲音聽起來就像他自己。相信任何美國的職業樂手來聽,都會說:"He is a good jazz player."(這包含了兩件事,第一是 "He can really play jazz." 以及 "He is good.")

今日玩爵士樂的人,尤其是我輩或是更年輕一輩的朋友,談到國內爵士樂工作者,大概說的都是出過國學爵士樂,而且透過網路宣傳自己,或是宣傳開班授徒收學生的這幾個人(也包含我個人在內),知道黃明正老師的人,真的是微乎其微。絕大部分都是本土培養從事樂師行業者,才知道有這麼一位台灣爵士樂的傳奇人物。

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是哪位貝斯手的輩分和地位如此崇高,在他去世後的告別式音樂會上,包括Ray Brown在內的老中青三代貝斯名家,全都來到他的告別式中演出?放眼爵士樂界,有這種資格的人,當代也只剩下Milt Hinton一人而已。從Milt Hinton的綽號“judge”來看,可以得知這號人物在爵士樂界的地位,他也是爵士樂貝斯從搖擺時期(swing era)發展到咆哮樂(bebop)期間的一個關鍵連結,在當時堪稱是活化石。

最近因為搬家,必須整理家中多年來堆置的陳舊物品,因此常常發現一些意外的驚喜。文章開頭有Milt Hinton肖像的照片,是一張卡紙的封面,這是Milt Hinton於2000年過世時,爵士貝斯界為他舉辦告別式音樂會的節目單。翻開內頁,參與告別式演出的爵士樂手,洋洋灑灑佔了一整頁,幾乎都是爵士樂界赫赫有名的人物。2000年也是我來紐約的第二年,當時個人有幸也參加了這場音樂會。

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(按圖可放大觀看)

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※近一個月由於忙於搬家和公寓裝修,所以無瑕寫新文章,僅此向部落格的網友說聲抱歉,且先推出一篇短文。

1964年,德國重量級的音樂文字工作者、樂評及音樂學者Joachim E. Berendt(註一),在德國發行了一份爵士樂年曆,挑選了一些當年具有代表性的樂手照片,做為每月的封面人物。其中,絕大部分都是世界知名的爵士大師,諸如Count Basie、Duke Ellington、Thelonious Monk、Gil Evans、Stan Getz、Sarah Vaughn、Dizzy Gillespie、吉他手Freddie Green、Attila Zoller、豎笛手Tony Scott,以及鼓手Max Roach和鐵琴手Milt Jackson打桌球的照片等等。入鏡者包括了許多傳統和當代爵士樂領域的大師級人物,此外,Joachim還摘錄了一些他認為極有潛力和天份的年輕好手。

Jazz calendar 01

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「今日的大樂團」一文補遺

當年在Duke Ellington big band打鼓的年輕小夥子

寫完「今日的大樂團」一文後不久,我剛好有個機會跟當年芝麻街(Sesame Street)、Electric Company兩個電視節目的鼓手──Steve Little合作演出(當天Lou Rainone是鋼琴手)。這是我第二次跟Steve Little合作,今年七十多歲的他,是位極為傑出的鼓手,在allmusic.com中可以看到他在60年代時,曾參與很多Duke Ellington大樂團的錄音工作。據他說當時的Duke Ellington big band每個人都是大明星樂手,除了Duke本人外,還有Paul Gonsalvez 和Johnny Hodges等大明星,當時其他團員都差不多五十多歲了,只有他一個人是二十出頭的小夥子。當然,他絕對夠優秀,不然Duke不會找一個白人小夥子來打鼓。


Duke Ellington: Second Sacred Concert

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在台灣,常常聽到有些年輕朋友跟我抱怨說,他很想出國學音樂,無奈父母反對,不願意負擔留學國外的花費。言談之間,讓人感覺彷彿他一生的理想因此無法實現,有志難伸似的。

對於這種情形,我的答案只有一個,容後揭露,先讓我說一個小故事。我認識一位吉他手,在他擔任音樂系教授前,曾當了十年左右的大卡車司機。

我是在賓州演出時,認識這位吉他手T君的,他是位很不錯的爵士吉他手,跟有名的薩克斯風手Richie Cole有合作關係。白天他在一間大學音樂系擔任教授,我聽到後馬上就問他,是全職 (full time) 還是兼職 (part time)?(如果是全職,表示學校願意負擔退休金等等福利措施,這幾年全職的位子非常難找。)他說是全職,並表示很幸運可以找到這份工作,他做這份工作已經是第三年了。

進入大學工作之前,T君是位大卡車司機 (truck driver) ,我聽了非常驚訝。他說以前開大卡車時,年薪高達七萬美金,但是一天最少得工作十四小時,晚上要彈gig,但是凌晨四點半就要上工開大卡車。他當司機當了十年,然後中間再斷斷續續花了六年的時間,到NYU跟John Abercrombie學吉他,花了六年完成碩士學位。之後,在當地大學音樂系兼職教爵士吉他,一邊還要輪班開大卡車。因為他有好幾個孩子要養,那時學校剛好有個缺,學校願意給他全職的教授位置,於是他就跟太太說,我不想再開大卡車了,我想接受這份大學音樂系的教職,於是,他終於解脫了。

但是之前他就這樣辛苦地工作了十多年,一邊開大卡車養活一家人,一邊要練琴,還要彈gig,同時還得兼顧學業,終至完成碩士學位。他無須跟任何人說他有多喜歡音樂,他只是默默做著自己喜歡的事。這跟一些成天到晚到處跟別人說他有多愛音樂,多努力想推廣音樂;或一天到晚說台灣爵士環境有多差的人,簡直是天壤之別。

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"Philly" Joe Jones (from: DRUMMERWORLD)

鼓手Greg是我的好朋友,他今年約四十多歲,來自費城(Philly),在紐約當職業鼓手已經二十多年了。

費城和底特律可以說是兩個出口爵士樂大師的重鎮,著名的爵士樂鋼琴大師Kenny Barron和爵士鼓大師 “Philly” Joe Jones (1923 - 1985)都來自費城。Greg十多歲開始學鼓,高中畢業後,決定進入波士頓著名的Berkelee音樂院學習鼓,但是進去一年後,他忽然想到:

「爵士樂界最好的鼓手Philly Joe Jones就住在我的家鄉費城,如果要學鼓,我為什麼要特地跑來波士頓找別人學?」

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Joe Puma撰寫的吉他教材:Extended Scale Playing for Guitar (Amazon.com)

「聽」,是學習音樂最直接的方式

我已經不記得在他上課時到底彈了些什麼歌,但我記得他在聽完我彈之後跟我說:「你剛剛哪些和聲不好,應該試試這樣彈。」有些地方他也很直截了當的跟我說:“Don’t play that shit!” 他並沒有從理論上解釋為什麼,他只是叫我用耳朵去聽。

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The Modern Art of Jazz;Joe Puma雖未列名於專輯封面上,但在其中擔任吉他伴奏。(allmusic)

一把吉他像是一個樂團在演奏

對爵士吉他有興趣的朋友,應該都知道:當樂團編制人數愈少,吉他演奏的難度就愈高【註五】。當樂團中只有吉他手和歌手,甚至只有吉他手一人時,一個好的吉他手必須要有可以讓一把吉他聽起來像是一整個樂團在演奏的本事。對我來說,那不是你知道哪些音階可以配哪些和聲,或是背熟了各把位的和聲就可以辦到的。因為你絕對需要好的耳朵和對音樂的sense,還有天份加上不斷的努力。這也是為什麼吉他手如Wes Montgomery等人,時至今日仍被眾多吉他手視為神的原因。他隨便彈兩個音或和弦,就可以讓你的身體和心靈起化學變化。

Joe Puma對於爵士吉他的演奏掌握也是全面性的,他可以輕鬆自如地穿梭在各種不同編制的樂團中,永遠恰如其分、不慍不火地演奏著吉他,而且每個音都聽起來都像Joe Puma,只此一家,別無分號。

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Joe Puma (Photo from  allmusic, by Melissa Mannion)

Joe Puma是業界相當有名的吉他手,他在五零年代之後崛起,雖然不是一位明星級的樂手,也沒出版過很多個人專輯,但是曾經擔任過伴奏樂手(sideman)的專輯非常多。

歌手Chris Connor和Artie Shaw小編制樂團的很多專輯,吉他都出自於Joe Puma之手【註一】。他在五、六零年代時也與吉他手Joe Pass和Chuck Wayne各自有一個吉他二重奏。不過,在台灣幾乎沒什麼人知道他。很幸運地,我在他去世之前曾跟他上過一堂課,雖然這堂課沒有太多吉他實務上的細節要領,但是他所傳達出來的概念,卻對我之後的學習有很大的幫助。

 

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誰是Cannonball Adderley?簡單的說,他應該算是爵士史上最偉大的薩克斯風手之一。

據我的了解,他的成就大概在兩方面:一是薩克斯風演奏部份;某個程度,他繼承了bird的風格,當然,他也開創了自己的風格,影響後來不少薩克斯風手。我自己認為較明顯的例子是 Vincent Herring 和 Jesse Davis。

第二部份,我認為他所領導的的五重奏,算是爵士史上小編制樂團的典範之ㄧ。另外兩個在HARD BOP 時期的典範,則是Art Blakey & Jazz Messengers及Horace Silver Quintet。Cannonball Adderley的樂團可以算是個BLUES BAND,曲目頗多BLUES相關的元素(materiall)。至於後面所潛藏的那股groove,至今仍有眾多樂手試圖追尋。他在黃金時期的節奏組:Sam Jones, Louis Hayes, Bobby Timmons或Victor Feldman,也對這樣的groove有相當大的貢獻。

除此之外,還有另一個部分值得一提的是他的作曲能力,以及在GROUP演奏曲子方面的選曲能力非常精準。除了Cannonball Adderley本身作曲外,他們亦演奏不少團員的作品,如:他的弟弟Nat、鋼琴手 Bobby Timmons 或 Victor Feldman及BASS手Sam Jones等。有些他們演奏的作品,後來成了經典版本或作品,如Work Song, Jeannine(Duke Pearson), Unit Seven等。

最後,還有一點常被忽略的是,很多人以為Cannonball擅長演奏deep groove的作品,但是其實不知道他也非常擅長ballad(慢歌)。

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